Habrá que buscar la conjunción entre metafísica y novela.

Juan Benet con su hijo Ramón en 1956.

Juan Benet con su hijo Ramón en 1956.

Llamo novelista al poeta, al hombre que con la palabra ha querido recrear, inventar, e investigar; y hay otro individuo que con un conocimiento derivado de las leyes de la palabra, las leyes del logos, con el que existe un paralelismo, aunque distanciado, que es el pensador, el filósofo, el metafísico. Tarde o temprano, habrá que buscar la conjunción entre metafísica y novela.

Juan Benet, 1969.

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El terror en un puñado de polvo. [Café Perec]

polvo del 11 sept. en Manhattan

11 sept. en Manhattan

Quizás nada habría sido igual sin el fino polvo gris que cruza por la primera imagen de La jungla del asfalto, de John Huston, o sin aquel verso de T.S. Eliot a propósito del mundo de entreguerras (“Te mostraré el miedo en un puñado de polvo”), o sin esa certeza que Kubrick aconsejaba no recordar si deseábamos desesperarnos: nuestras vidas son sólo microbios fugaces sobre motas de polvo.

El caso es que en los últimos días no he podido olvidarme de A Handful of Dust (Un puñado de polvo), la exposición del británico David Campany que hace dos años vi en la sala Whitechapel, al norte de Londres: un recorrido por las últimas décadas de la historia a través de imágenes, cuyo leitmotiv –como material, pero también como implacable metáfora del tiempo, de la mortalidad o la devastación– era el polvo.

Aquella exposición de Campany concluía con una de las fotografías que Sophie Ristelhueber realizara tras la Guerra del Golfo, en el desierto de Kuwait. En ella, el punto de vista elegido destruía cualquier noción de escala (como ya hiciera Man Ray en 1920 en el estudio de Duchamp con su icónica Cultivo de polvo) logrando así que el espectador viera, en lugar de material bélico escacharrado, los restos polvorientos, por ejemplo, de lo que podría ser una nave espacial.

Si en su momento Cultivo de polvo (Élevage de poussiére) fue considerada una pieza visionaria, cuya ambigüedad, además, facilitaba que se la pudiera insertar en el hilo de las más diversas historias, lo mismo pasaba con aquella imagen de  Ristelhueber que cerraba la exposición de Campany. La prueba: esa fotografía, estos días, sirve en la misma Whitechapel de punto de partida de Casa vacía del estornino, la muestra que, patrocinada por La Caixa, dirige el gran novelista británico Tom McCarthy.

En Casa vacía del estornino la imagen de Ristelhueber tiene un aire menos 2001 y se asemeja más a una lámpara gigante y rota fabricada por humanos; una lámpara que nos va introduciendo en el núcleo central de la propuesta de McCarthy: la existencia de un sistema de control y vigilancia que pensamos que controla peligrosamente nuestras vidas y en realidad tiene severos defectos de fabricación.

El sistema tiene fallos, nos indica de entrada la lámpara inservible, y nos va relacionando con el paisaje de destrucción que ha dispuesto McCarthy en una Whitechapel cargada estos días de estructuras de hormigón vacías, de latas circulares que contienen grabaciones y muestran su viejo contenido colgando allí inútiles, sin ningún aparato capaz ya de reproducirlas. Se percibe enseguida que, más que prolongar A Handful of Dust, Tom McCarthy ha buscado decirnos que en realidad el horror que percibiera con tanta lucidez Kafka no procedía de nuestro supuestamente perfecto sistema de control, sino del descubrimiento de que éste tiene fisuras y ni siquiera funciona bien, lo que nos expone a un terror todavía superior y que seguramente en sueños ya hemos visitado. ¿O acaso alguien no se ha visto ya alguna vez sin luz, condenado al puro bucle de la lámpara gigante y rota?

La jungla del asfalto (John Huston)

La jungla del asfalto (John Huston)

 

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HANDKE EN SORIA.

San Saturio, la Soria de Machado.

San Saturio, la Soria de Machado.

En otros días, Handke se sumergió durante semanas en el paisaje soriano para pasear y crear en soledad [El País]

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HANDKE

bej1-7_10720085_20191010142113Cuando en París, a mediados de los setenta, leí de Handke Carta breve para un largo adiós, creí dar allí con el tono de voz de mi generación, o, mejor dicho, con el tono que me pareció que debería de tener ésta y que más bien brillaba en general por su ausencia, pues era como si sólo Handke estuviera introduciendo la modernidad en la seriedad de las novelas y sólo él supiera mezclar con solvencia filosofía y cotidianidad, rock and roll con angustia existencial, contracultura y Goethe.

Pero en realidad, en contra de aquellas apariencias iniciales, el Handke esencial estaba ya concentrado en el fragmento de Karl Philipp Moritz que abría aquella Carta breve para un largo adiós, donde se nos decía que la mañana era cálida y deparaba el suficiente buen tiempo para huir, para largarse de Austria y de todo y viajar, “con el cielo tendido cerca del suelo y los objetos bien oscuros a nuestro alrededor, como si la atención debiera centrarse sólo en el camino que se quisiera andar…”

Centrada en las trampas del camino, la atención, al igual que la literatura de Handke, han atravesado todo tipo de espacios, siempre a la búsqueda de un mundo en el que un cierto ritmo antiguo pudiera llegar a ser plenamente lejano y al mismo tiempo próximo, tremendamente personal. Alguien así sólo podía dejar atrás la pasajera modernidad para acabar siendo un maestro antiguo, un escritor de los de antes, o estar cerca de serlo. “Es el único oficio, si es que hay alguno, para el que estoy hecho a medias”, escribió en El año que pasé en la bahía de nadie, la obra con la que le vimos aparecer transformado, convertido en cierta forma ya en un clásico; la obra en la que nos habló de pronto de la constante metamorfosis en la que había estado en juego siempre su existencia, el camino trastornador que había ido haciendo al andar.

Aquel libro casi perfecto que marcó un antes y un después en la obra de Handke era un viaje por el mundo y también por el interior de uno mismo, con un mensaje osado: “Conócete a ti mismo: transfórmate”. Sin duda, Handke está ya muy lejos de aquel tono que un día pensamos que podría ser el de mi generación. Pero mi generación no está lejos, en cambio, de Handke. De hecho, habla en plural como John Ford al final de aquella Carta breve para un largo adiós, y lo hace para simplemente decir que no soñamos y que si lo hacemos se nos olvida. Y es que, como hemos aprendido en el camino a hablar de todo, nada nos queda para soñar.

(El País, 11 de octubre 2019)

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EL PESO DEL MUNDO.

1498651654_200912_1498655681_album_normalDejé que el sol me alumbrara, dije. Parece una mala traducción de una frase de Peter Handke, dijo ella. No me extrañaría que lo fuera, respondí sintiendo que me acababa de sacar un gran peso de encima; de hecho, descubrí que había frases que podían llegar a pesar mucho, más incluso que el mundo.

[fragmento de ESTA BRUMA INSENSATA]

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LA ERA DE LOS BLOGS NO HA CAÍDO EN EL OLVIDO.

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Recuperación en libro del genial blog del malogrado periodista deportivo y escritor Jordi Mestre  

PARAGUAS EN LLAMAS

(Publicado por Pepitas de Calabaza)

Prólogo de Enrique Vila-Matas

[…] Me acuerdo de cuando en los últimos meses de 2006 empecé a visitar, con cierta ansiedad y frecuencia, Paraguas en llamas, blog literario de una exquisita inteligencia narrativa, indisociable de su gran sentido del humor. Era un blog que firmaba un tal Jordi, pero en el que no constaban más datos personales; ningún apellido, y solo la foto de un niño que llevaba puesta una gorra de marinero y que al principio pensé que era el anónimo Jordi en un momento de su infancia, hasta que un buen día descubrí, con sorpresa (porque ya me había acostumbrado a la idea de que aquel niño era él), que se trataba en realidad del pequeño Alexei Románov, el único varón del zar Nicolás II de Rusia.

[…] Sin que esto me preocupara demasiado —todo lo contrario: aumentó mi interés por su enigma—, yo seguí leyéndole fascinado por su talento, próximo a veces —me decía a veces yo— al del gran Eduardo Mendoza. Y no había semana en que no visitara su blog a ver si había colgado un nuevo fragmento de su diario. Entraba casi sistemáticamente en Paraguas en llamas —que a veces, con sentido de la diversión, pasaba a llamarse Paraguayos en llamas— y entraba siempre en busca de alguna novedad que me alegrara, si no el día, al menos la mañana. Y desde luego de entre las novedades que allí encontré me ha quedado grabada la del día en que nos comunicó a todos sus lectores que había entrado en su vida una mujer a la que iba a llamar la Nueva.

[Del prólogo de Enrique Vila-Matas]

 

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Una intensa nota crítica sobre ESTA BRUMA INSENSATA.

1498651654_200912_1498655351_album_normalJOSÉ DE MARÍA ROMERO BAREA: El destino de nuestros viajes, el contenido de nuestros mensajes, lo que decimos en nuestro propio hogar, lo que hacemos a la vista de las cámaras, nuestras compras compulsivas, nuestras impulsivas búsquedas especulativas: todo queda registrado, procesado y listo para ser revendido a las empresas de telefonía móvil. “Esta bruma insensata”, se cuestiona, desde el epígrafe, el patafísico Raymond Queneau, “en la que se agitan sombras, ¿cómo podría esclarecerla?”. Recluido a su mundo de ficción, revestido de un aura de malditismo, el autor Enrique Vila-Matas (Barcelona, 1948) alude al cofundador de OuLiPo mientras encarna, por enésima vez, al creador excéntrico que cede a la misantropía.
Y, sin embargo, en su más reciente relato Esta bruma insensata (Seix Barral, 2019), el Caballero de la Legión de Honor Francesa no es exactamente un recluso, sino alguien que protege ferozmente su identidad en una época de involuntarias auto-revelaciones. Reacio a la creencia en que el comportamiento se puede modelar, predecir o controlar, se afana en registrar colapsos, relaciones malsanas y desconfianza en las instituciones. Consciente de que el capitalismo nos vigila, anulando nuestro no tan libre albedrío, enmarca su literatura en términos de una privacidad basada en “acumular citas, cuantas más mejor, una necesidad absoluta de absorber, de reunir todas las frases del mundo, un ansia incontenible de devorar cuanto se pusiera a mi alcance, de apoderarme de todo lo que, en momentos de bonanza lectora, viera yo que pudiera ser mío”.
El resultado celebra la libertad mental de movimiento, el torbellino de simbiosis de una prosa asignada a un personaje narrador, diversificada en intercambios, donde cada desarrollo enigmático supone un giro del caleidoscopio ficticio hacia una “oscura tierra de fin de mundo, tan modelada por la tramontana, entre otras fuerzas y vientos”. Evidencia el escritor de Bartleby y compañía (2001) la posmoderna sustitución de las certezas algorítmicas por la indeterminación participativa. Se denuncia un juego en el que el tablero es invisible, “estancado en la bruma del amanecer de uno de esos días (…) que nacen cargados de borrosas siluetas”; nosotros, a cambio, somos los peones, “imprecisas figuras móviles, amables por resultarnos familiares, figuras del infinito”.
Política, economía, sexo y dinámicas de género, ciencia e ideología: nada es ajeno al pensador experimental de Marienbad eléctrico (2015), y por ende a nuestro interlocutor, que reduce la acción a fragmentos, mientras nos remite a estados de ánimo tan melancólicos como intangibles: “El sol me iluminó de tal modo”, confiesa, “que hasta logró medio despertarme y llevarme a evocar una frase cuyo autor no hubo forma de que me viniera a la memoria”. Se suceden en bucle las reflexiones sobre la contracultura y la contrarrevolución, se cede a la paranoia de la conspiración y la ansiedad de control. Juega el Premio Formentor de las Letras 2014 con el concepto de incomprensibilidad como una variante de nuestra ilustrada desorientación.
Se prescribe presentes de modificación de comportamientos y redirección de voluntades opuestos a la idea de éxito, reemplazada por los resultados garantizados de una individual conformidad: “Admiraba a aquellos escritores que sentían tal amor por la biblioteca universal”, apostilla el alter ego, “que su obra tenía la desorbitada pretensión de perfumarlo todo con explosivos”. Se complace el Premio FIL en Lenguas Romances 2015 en una insondable, irremediable rebeldía. Todo en su narración tiene la calidad de un sueño recordado a medias, dada “su facilidad de saltar de un tema a otro (…) su tendencia a la errancia (…) sus cambios constantes de planos y de obsesiones”. Quiere Vila-Matas que respiremos en lugar de mirar; que sucumbamos a sus ritmos hipnóticos, que flotemos sobre su perplejidad, que nos dejemos llevar por su humor corrosivo.
Hoy que los medios de (in)comunicación masiva se han convertido en privadas herramientas para la intrusión, lo que era implícito y personal se ha convertido en público y explícito, expuesto al escrutinio del ojo ajeno, la crítica y el castigo de la comunidad. Como el protagonista de Bruma, hemos “caído de forma escandalosa en la trampa de creernos escritores”. Son nuestros interiores los que están expuestos a invisibles supervisores, que se benefician no solo de nuestras acciones, sino de cada una de nuestras expresiones. Tiempos miopes estos, en los que se agradecen las posibilidades visionarias de una novela que combina la comprensión técnica con el alcance humanista, recordatorio del potencial humano. [http://sonograma.org/art/esta-bruma-insensata/]

 

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Las charlas de los matemáticos retirados

PRINCMe acordé de “las charlas de los matemáticos retirados”. Eran reuniones a las que asistía Ricardo Piglia en Princeton y de las que había él hablado en una reciente entrevista con Patricio Pron. Los matemáticos eran tipos brillantes, decía Piglia, extraordinarios conocedores de la literatura occidental, lectores expertos en Joyce y su Finnegans Wake, en Robert Musil, en Michel Butor, en Samuel Beckett, en Witold Gombrowicz; tipos fascinados con Hermann Broch, con Arno Schmidt, con Jorge Luis Borges… Para Piglia no había lectores así en el mundo: “Roberto Calasso, George Steiner y Harold Bloom son diletantes al lado de estos hombres cansados: uno aprendió japonés a los cuarenta años solo para leer a Yasunari Kawabata. Todos ellos saben que ya no se les va a ocurrir nada, pero que aún tienen toda la vida por delante y se dedican a leer. Robert Hollander, el gran especialista en Dante, daba un curso sobre La Divina Comedia en el que se leía un solo canto por semestre: eran seis o siete personas sentadas alrededor de una mesa redonda, y la mayoría eran matemáticos y físicos teóricos; terminaban de leer la Comedia después de cinco o seis años de clases y la empezaban a leer de nuevo. Así será la literatura en el futuro, al menos eso espero…”  [Fragmento de CAFÉ PEREC  ////   6 de mayo 2014.]

 

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TOM MC CARTHY EN LA WHITECHAPEL ó KAFKA EN UN BÚFER

El escritor Tom McCarthy aborda la vigilancia de masas en una muestra en la Whitechapel londinense.sophie

 

 

 

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VILA-MATAS ELÉCTRICO, por Edmundo Paz Soldán.

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EDMUNDO PAZ SOLDÁN (El Boomeran):  En su aparente modestia y levedad, Marienbad es tan potente como el manifiesto de David Shields sobre la necesidad de abandonar los viejos paradigmas de la escritura narrativa -el sueño de la verisimilitud decimonónica– para repensar la novela desde las posibilidades abiertas por la vanguardia artística, con la diferencia, por supuesto, de que esto lo ha venido pensando Vila-Matas desde hace mucho. Con Marienbad, no solo defiende una nueva forma de escribir “novelas” sino que presenta un excelente ejemplo de esa nueva forma.

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A.G. Porta /// ME LLAMO VILA-MATAS, COMO TODO EL MUNDO

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16 de enero de 2014. Enrique Vila-Matas anuncia a Porta que ha sido invitado a participar como actor en un teatro alternativo de Broadway. Sin embargo, el alma del proyecto, una mujer llamada Allison, ha desaparecido, y ni Vila-Matas ni su amigo neoyorquino Eduardo Lago consiguen dar con ella. Al despedirse, ambos fantasean, enfrascados en un diálogo cada vez más absurdo, sobre la posibilidad de que el desvarío relacionado con la obra acabe plasmado en dos textos, titulados Buscando a Allison y Off Off Off Broadway. Ya en casa, Porta escribe una obra paródica sobre la conversación. Considera mandársela a Vila-Matas pero no lo hace. Así nace Me llamo Vila-Matas, como todo el mundo, un diálogo que, fiel al absurdo en que surgió, acercará al lector al personal mundo de Enrique Vila-Matas.

A.G. Porta (Barcelona, 1954) obtuvo el Premio Ámbito Literario de Narrativa de 1984 con el libro Consejos de un discípulo de Morrison a un fanático de Joyce, escrito en colaboración con Roberto Bolaño, así como el premio Café Gijón de 2005 con la novela Concierto del No Mundo. Acantilado ha publicado toda su obra narrativa.

“Mejor que cien ensayos que trataran de explicar lo que escribo” (Enrique Vila-Matas)

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EL DELITO DE ESCRIBIR [Café Perec] 1 de octubre 2019

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¿Oyeron hablar ustedes de la pulsión secreta –tan novelesca por cierto– de algún que otro editor y crítico de castigar a determinados autores, a veces sólo por su feliz relación con la escritura? Es una especie de variante perversa del síndrome de Salieri. De haber escrito alguien la bochornosa historia de nuestros oscuros celosos, el libro habría podido llamarse El delito de escribir, pero se da la circunstancia de que el título precisamente ya fue utilizado por J. Rodolfo Wilcock para una antología (en Adelphi) de sus mejores artículos de los años sesenta sobre el mundillo de las letras italianas (Il reato di scrivere), un libro cuya traducción, justo estos días, se publica entre nosotros. Una antología que insinúa ese odio patológico de algunos miserables, pero amplia su radio de acción a otros aspectos de la sociedad literaria, a otras no menos sorprendentes, singulares, recurrentes, tempestuosas perversiones.

No se baila jamás con tanta vitalidad como al borde del abismo, escribe Wilcock. Y nada nos parece tan cierto a medida que vamos leyendo El delito de escribir (Libros de la resistencia), donde no hay uno solo de los textos que no baile ahí con el peligro y no lo haga, además, con la rara energía del que sabe entrar a saco, sin titubeos, en los más degradados ámbitos de la casa de fieras que siempre fue cualquier sociedad literaria. Por lo demás, el “libelo” de Wilcock no tiene piedad de los numerosos enemigos de los que habla, tan parecidos a veces a los míos, porque no falta ahí ni el crítico enjabonador del poder y además cicatero (“obcecado en reprender a un autor por no haber hecho algo que éste no tenía la intención de hacer”), ni el editor perseguidor y vengativo, ni demás seres supremos de elegancia dudosa, a los que Wilcock hace bien en situar en la tenebrosa categoría de “los otros”.

Así las cosas, no ha de extrañarnos que la imposibilidad de una relación armónica con esos “otros” acabe forjando la gran ilusión de establecer cualquier tipo de contacto con otras personas que lo sean todo menos puñeteras o saboteadoras, un contacto con individualidades que, habiendo sido creadas felizmente por nuestra propia mente –alguna ventaja ha de tener la facultad de crear ficciones–, al menos sean amables.

Sustituir, dice Wilcock, a las horribles (por incomprensibles o intolerantes) personas que componen la vida literaria por seres imaginados, comprensibles y comprensivos, y por lo tanto agradables, es un privilegio sólo de los grandes autores felices, tan distintos de “los mediocres que sufren casi como si no fueran escritores, obligados a reproducir defectuosamente a los seres que ya conocen”.

La clave para vivir mejor estaría pues en la alegría de la escritura cuando ésta va a ligada al ejercicio de la libertad, o a esa variante de la libertad que Cervantes descubrió en la locura. ¿O es que acaso la felicidad de un artista, como dice Wilcock, no reside (como le pasaba a Lewis Carroll a los ochenta años) en poder concebir la vida de igual manera que un diálogo entre una tortuga y un termómetro?

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[Para leer el artículo en El País, según una nueva normativa del periódico, hay que registrarse; es un registro GRATUITO.)

 

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Wilcock, por Bolaño.

siEl libro de Wilcock (La sinagoga de los inconoclastas) me devolvió la alegría, como solo pueden hacerlo las obras maestras de la literatura que al mismo tiempo son obras maestras del humor negro, como los ‘Aforismos’ de Lichtenberg o ‘Tristram Shandy’ de Sterne.

Roberto Bolaño.

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El escritor inusual, por Guadalupe Nettel

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Murakami para el Premio Lattes Grinzane 2019

20190927_215258~3-EFFECTSHaruki Murakami (Japón), publicado en Italia por Einaudi es el ganador del Premio Lattes Grinzane 2019-La Quercia, dedicado a un autor internacional que ha podido recopilar con el tiempo el reconocimiento compartido de crítica y público.

Las ediciones anteriores de la sección La Quercia fueron ganadas por Enrique Vila-Matas (2011; Feltrinelli). Patrick Modiano (2012; Einaudi), Alberto Arbasino (2013; Adelphi). Martin Amis (2014; Einaudi ). Javier Marías (2015; Einaudi). Amos Oz (2016; Feltrinelli). Ian McEwan (2017; Einaudi). António Lobo Antunes (2018; Feltrinelli).

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‘Casa vacía del estornino’, la exposición de Tom McCarthy en Londres.

Eve Sussman | Rufus Corporation, Video still from 89 seconds at Alcázar.

Eve Sussman | Rufus Corporation, Video still from 89 seconds at Alcázar.

El novelista Tom McCarthy desplegará en la Whitechapel Gallery de Londres (Reino Unido) hasta el 5 de enero ‘Casa vacía del estornino’, consistente en una exposición a partir de obras de la colección de arte contemporáneo de La Caixa y un texto de ficción.

Diversos autores de renombre internacional exploran la colección de arte contemporáneo más destacada en España en una serie de cuatro presentaciones que se están sucediendo a lo largo de todo este año y se alargarán hasta 2020.

Cada uno de los escritores comisaría una presentación de obras y aporta nuevos textos basados en su selección; la muestra de McCarthy es la tercera tras las selecciones de Enrique Vila-Matas y María Fusco y a ella seguirá la de Valeria Luiselli.

En esta exposición, el escritor reflexiona en torno a la vigilancia y el control, sus fallos y sus colapsos, de la mano de fotografías, esculturas, instalaciones y películas de artistas como Steve McQueen, Eve Sussman e Isa Genzken.

 

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Como acabar con el cliché del preferiría no hacerlo.

En la tumba de Melville, en el Bronx.

En la tumba de Melville, en el Bronx.

Café Perec.

El fin (por fin) de un cliché.

 

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En octubre llega ‘La parte recordada’, de Rodrigo Fresán.

20190921_135755~4“Hay tiniebla en él, pero acoge luces en su interior, porque es brillante su prosa dirigida a lectores de antes; prosa que arde al modo de un cohete que como una araña explotara entre las estrellas y que incendia en su afán por extremar el estilo, la voz propia, y así de paso, como quien no quiere la cosa, maniobrar como si nada se hubiera colapsado en el mundo editorial y Nabokov siguiera, imperturbable, moviendo alfiles en los atardeceres de Montreux; es decir, como si se pudiera seguir escribiendo como en los buenos tiempos.»

Enrique Vila-Matas, El País

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Luiselli y la libertad a capa y espada.

1568920706068465828725639459713Decía mi muy querido Sergio Pitol que en la escritura lo único que debía defenderse siempre a capa y espada era la libertad creativa. Y esa libertad que tenía Pitol para escribir exactamente lo que se le pegaba –disculpen mi mexicano- la rechingada gana fue una hermosa y valiosa enseñanza.

(Valeria Luiselli ayer 19 sept. en Espacio Telefónica, Madrid)

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NABOKOV y SU INSOMNIO EN WUNDERKAMMER

 De nuevo WunderKammer nos sorprende con un gran libro.

“Sueño: la solución al misterio supremo que descubrimos tras la muerte es que el cosmos, con todas sus galaxias, es una gota azul en el hueco de mi palma (así desprovista de todos los terrores del infinito). Sencillo.”

Vladimir Nabokov, SUEÑOS DE UN INSOMNE.  Experimento con el tiempo.

Edición de Gennady Barabtarlo.

(traducción de Valerie Miles / Aurelio Major)

foto de arriba: Nabokov, Vera y su hijo Dimitri en un lugar próximo a Menton (Francia)

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SUCESORES DE COSTAFREDA [Café Perec]

la-edad-del-desconsuelomaxresdefaultLeí la muerte de Blanca Fernández Ochoa en La Peñota como si fuera  un poema de Alfonso Costafreda: “En la sorda montaña / los pájaros no cantan, aúllan, / cautivos de un cielo inclemente/ una fuerza invisible / los impulsa hacia una muerte cierta/ y a quien importa / que ahora un movimiento / que fuera dulce y armonioso/ el ave conduzca a un final pavoroso”  (siga leyendo)

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EL AUTOR CONTEMPORANEO MÁS ORIGINAL.

nyoLa clave encontrada en Barthes] para interpretar a Vila-Matas: Cuando lo leemos tenemos una constante sensación de déjà vu y, al mismo tiempo la certeza de que seguramente sea el autor contemporáneo más original

(Víctor Gutiérrez Sanz acerca de LA BRUMA INSENSATA, 15 de septiembre de 2019)

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‘ESTA BRUMA INSENSATA’ O LA POÉTICA DE LA DIGRESIÓN.

“Nadie dijo que la literatura tuviera que ser siempre divertida. Y tal como se pregunta Rainer: dígame usted, ¿por qué la realidad tendría que ser fácil de entender?”

[agudísima disección de David Vidal Castell hoy en el diari Ara de Esta bruma insensata)

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“Moltes vegades em sento com una persona de la qual no sé res”. Rainer Schneider, escriptor ocult a Nova York, com un Pynchon -un possible Pynchon-, es lamenta en aquest termes al seu germà Simon, que des de Cadaqués el proveeix de cites amb les quals ell construeix “novel·les veloces”, de prosa enfebrada, i digressions que no van a cap banda. Simon desenvolupa la seva feina de compilador de cites, secreta i mal retribuïda, des d’una casa que s’esllavissa lentament cap a un penya-segat, i en la qual es troba, quan comença la novel·la, bloquejat per una cita que no recorda i enyorat de l’amada Siboney, que desprèn energia d’absència com un forat negre. L’exitós Rainer també amaga la seva celebritat en un “ perfecto dominio de la invisibilidad ”: un escriptor ocult rere un escriptor ocult. Un joc de miralls davant d’un abisme que els atrau a càmera lenta. I les variacions Vila-Matas amb els motius recurrents: la circularitat, el doble, la desaparició i, com sempre, l’escriptura.

Però, aquest cop sí, l’estimat edifici saltarà pels aires: deixarem enrere la maleïda impostura d’escriure, “ ese embuste de como mínimo cien páginas que agrada tanto al mercado y que lleva el nombre de novela […], artificial, planeado e inevitablemente trucado, que exige acontecimientos, acción ”. I per això, Vila-Matas baixa les revolucions de la trama per disseccionar millor. Es recrea en digressions dilatades per les cites de Simon: una conversa dins d’un cotxe, entre Cadaqués i Barcelona, ocupa cinquanta planes tot i ser poc més que quatre frases. Un breu passeig per l’Eixample es fa llarg “ como si hubiera ido atravesando países muy distintos unos de otros, países que habría ido entreviendo medio adormecido, como transportado por un invisible vehículo fantasmal ”. La vida explicada com una catàstrofe a càmera ultralenta, tot congelat, com al bullet time de Matrix. El narrador infiltrant-se per dimensions paral·leles. La jerarquia del món interior sobre la realitat, que té lloc sempre més enllà.

Per forçar el contrast amb la lentitud de la trama, Vila-Matas situa aquesta història metaliterària en uns dies frenètics a l’octubre del 2017. Mentre es mou erràtic, en aquesta broma, per Cadaqués -“ un pueblo tan muerto como irrelevante ” on tothom és catòlic, ultramontà o carlí- sent la remor de les votacions al Parlament per les televisions, i quan, dues-centes planes enllà, per fi Simon es troba amb Rainer a Barcelona, és una manifestació unionista, plena de senyores amb banderes, la que fa de fons de la trobada. L’entrevista surrealista, gairebé onírica, entre els dos germans al bar d’un hotel ple de manifestants fa de clímax i punt de fuga del relat.

Vila-Matas fa anys que compon la seva obra com un tot orgànic, un paisatge conformat per temes -la repetició, el doble, la desaparició, l’escriptura: els hem citat abans- al voltant del qual explora variacions. Ho ha fet en els més recents Mac y su contratiempo (2017) o Aire de Dylan (2012), i en molts dels clàssics de la seva bibliografia, on trobaríem especialment connectats amb aquesta novel·la els llibres Doctor Pasavento (2005), Exploradores del abismo (2007)o Bartleby y compañía (2006). Vila-Matas transmet amb la circularitat erràtica del relat l’esgotament de viure a la ment de Simon, que és potser la de Rainer i que és, segur, la seva: exagera l’absència de trama, la digressió, la recurrència hipertextual. En un autor de perfil estilístic i ideològic molt marcat, això embriaga els adeptes i repel·leix els detractors. És cert que pot desanimar i potser en alguns passatges avorrir, fins i tot els fidels, però ningú va dir que la literatura hagués de ser sempre divertida. I, tal com es pregunta Rainer, digui’m vostè: per què la realitat hauria de ser fàcil d’entendre?

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RECUERDOS INVENTADOS. / MIREIA MATEO EXPONE EN SALA PARÉS, BARCELONA.

650_1567409775foto_Mireia_MateoHasta el 7 de octubre la pintora Mireia Mateo ofrece en la Sala Parés (Barcelona, calle Petritxol) una exposición en la que reflexiona sobre el papel y sobre el arte: RECUERDOS INVENTADOS (título tomado de un libro de Vila-Matas)

El títol té reminiscències d’Enrique Vila-Matas. Vas pensar en ell quan el vas posar?

Va ser curiós perquè vaig titular l’exposició i després, buscant a Google el primer que em va sortir va ser el seu llibre. Em va confirmar que sempre torno a Vila-Matas. Està sota la meva pell. És un d’aquests autors que et marquen i, d’alguna manera inconscient, el seu món aflora en el teu propi món.

http://www.elpuntavui.cat/cultura/article/19-cultura/1660902-tot-el-que-passa-a-la-vida-acaba-sent-art-d-una-manera-o-altra.html

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DOMINIQUE GONZALEZ-FOERSTER //// Textodrome.

Delphine Seyrig

Delphine Seyrig

11 – 15 sept. 2019 à 11h / Petite salle – Centre Pompidou, Paris

Le titre Textodrome, Dominique Gonzalez-Foerster envisage la littérature non pas comme un livre, mais davantage comme un espace pleinement consacré où le texte, une fois sorti du livre, devient tour à tour projeté, oralisé, exposé, sonorisé, ou encore incarné. Après l’installation Cosmodrome créée en 2000, après l’exposition Expodrome au Musée d’art moderne de la Ville de Paris, après l’installation de réalité virtuelle Endodrome, actuellement dévoilée à la dernière Biennale de Venise, le Textodrome vient ajouter un nouvel espace, à la fois mental et réel, dans la cartographie sensible de l’artiste.

Avec au générique de Textodrome : Honoré de Balzac, Tristan Béra, Théo Casciani, Marguerite Duras, Callisto McNulty, Natacha Petresin, Exotourime-Julien Perez, Paul B. Preciado, Philippe Rahm, Alain Resnais, Alain Robbe-Grillet, Catherine Robbe-Grillet, Delphine Seyrig, Gisèle Vienne, Enrique Vila-Matas, Ming Wong,

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“París no se acaba nunca” en Estocolmo. La reseña de Jens C. Brandt en Dagens Nyheter.

París en los años 20 4Nota hoy en Dagens Nyheter, Estocolmo, sobre ‘París no se acaba nunca’, traducción sueca. Reseña del gran Jean  Christian Brandt: Ett farväl till författarnas. (Adiós a la era de los escritores y los grandes gestos) 

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